Nueva York.- Ángeles y dragones, serpientes emplumadas, centauros y unicornios, santos y dioses, el encuentro entre lo celeste y lo terrestre, cocodrilos y leones que no son lo que parecen, y hasta detalles que revelan un sentido del humor entre tanta cosa seria, forman parte de una exposición de piezas de arte creadas a lo largo de mil años –entre 500 y 1500– reunidos en un diálogo entre mundos que no se conocían aún, pero que compartían mitos, símbolos y la sabiduría sobre seres imaginarios que nos acompañan.

La exposición Seres del mito y la imaginación en la sucursal del Museo Metropolitano conocido como The Cloisters, dedicado al arte medieval en la punta norte de Manhattan, está compuesta con más de 50 piezas, que incluyen textiles, esculturas, pinturas, joyerías creadas en América y en Europa antes del encuentro entre ambas regiones y que ofrecen puentes entre “los reinos terrestres y el supernatural, vinculando lo humano y lo divino”.

La exposición nace de un intercambio entre curadoras del museo expertas en las artes y cultura europea y latinoamericana, donde descubren y crean un diálogo entre sus mundos.

La Jornada tuvo el privilegio de entrevistar y ser guiada por la exposición con dos de las curadoras de esta exhibición especial del Metropolitano, la mexicana Laura Filloy Nadal y la estadunidense Julia Perratore, quienes con su extraordinario conocimiento de ambos mundos continuaron en persona el intercambio que ofrece la muestra.

Filloy indica que el propósito “es tratar de ver la creación artística de los dos continentes en un mismo periodo, en el cual no hubo contacto entre los artistas y, sin embargo, se generaron obras de arte, insignias, piezas y otra serie de objetos, elementos que son híbridos…. La idea es explorar los medios y el tipo de material con el que se hacen”.

Además, los lugares donde estos seres aparecen. “Pueden estar presentes en todos lados, ocupan espacios como el de la arquitectura, el paisaje ritual, el espacio cotidiano, en la liturgia religiosa, pero también se utilizan adentro de las casas, en el hogar, y te acompañan en el cuerpo y en lo que portas”.

“Dragones necesarios”
Una parte de la exposición “habla de la naturaleza recompuesta, es decir, de cómo se utilizan diferentes elementos de la naturaleza, de los animales o de los seres que cohabitan en el entorno para crear una figura híbrida. ¿Por qué se crean estas figuras híbridas? Esa es la pregunta que nos seguimos haciendo y de la que no tenemos respuesta.

“Leyendo a Borges ésa era nuestra interrogante y que él también se hace: ¿por qué los dragones? Porque los dragones son necesarios. Todo el mundo necesita un dragón o una criatura fantástica que le acompañe y que te ayude a explicar aquello que no puedes entender. Todos los elementos, todas las partes de estos híbridos están tomados quizá de criaturas del cielo, de la tierra, del mar, y son en muchas ocasiones animales… que tienen ciertas características, como que pueden volar y a la vez sumergirse en el agua o que nadan”, expresa Filloy.

Y sí, aparecen dragones por todas partes, incluyendo serpientes aladas europeas, y, como señala Filloy, algunas imágenes de Quetzalcóatl son también de una serpiente alada, o sea, es a veces un “dragón americano”.

Aguamanil con forma de dragón (alrededor de 1200), norte de Alemania, aleación de cobre (22.2 por 18.4 centímetros), Colección The Cloisters, 1947 (47.101.51). Foto cortesía del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

Al dar la vuelta por los más de 50 objetos, las curadoras comentan que se decidió designar como imagen central un pectoral de oro de Colombia que incluye una gama de aspectos híbridos. Aparecen objetos de México –algunos prestados por el Museo del Templo Mayor–, de Colombia, Costa Rica, Panamá, Perú, piezas como un caballito de mar “que es peleonero” con manos al frente, o una nariguera de metales trenzados con cabezas de… dragones.

Estos comparten el espacio con diversos objetos e imágenes de Europa. Julia Perratore describe que los europeos de parte de este periodo estaban de cierta manera atravesando “la división secular-sagrada, la cual en verdad no era una división en la Edad Media; no hay diferencia entre lo secular y lo sagrado en Europa en ese tiempo” al mostrar objetos medievales y hasta precristianos, creados por agrupaciones nómadas o seminómadas que vivían en Alemania e Italia, llenos de detalle, seres híbridos entre animales y humanos.

Las curadoras se turnan al abordar los objetos de un lado del Atlántico y del otro a lo largo de la exposición. Resaltan detalles dentro de detalles, algunos ocultos a primera vista, pero que están absolutamente presentes.

Filloy muestra un personaje humano monumental hecho de arcilla, tiene un cuerpo de hombre y “un paso lindo”, pero garras de murciélago en las manos y pies, es Tzinacantecuhtli. “Esto es lo que los murciélagos tienen en la nariz y que les ayuda para ubicarse, es una especie de antena, como su radar. Sónico. Tienen las orejas grandes, dientes prominentes, probablemente es alguna de las especies que sí se alimentaban o tomaban sangre. Tiene un collar con unas campanas y el badajo de la campana es un hueso de león negro… Son animales que vuelan en la noche, pero también pueden ingresar en las cuevas, es decir que se trasladan al inframundo. Son estos seres que cohabitan y que ayudan a ligar en las esferas del cosmos. Asimismo, están ligados a la fertilidad al ser murciélagos que trasladan las semillas de un lado a otro y ser polinizadores que generan nuevas plantas, por lo que también están vinculados con la vegetación”.

Perratore continúa con una descripción de otro objeto europeo, una figura de un hombre, pero ahora con partes de pájaro, que de pronto “se disuelven en formas geométricas. De esta manera, hay una interfase entre lo orgánico y lo inorgánico, o lo animal y lo matemático –no sé cómo decirlo mejor, pero es algo muy completo que está al borde de lo abstracto”.

Cuenta que la otra curadora, Joanne Pillsbury, le comentó que la figura europea se veía muy maya, entonces “lo que están haciendo los artistas de ambos lados del océano, más o menos al mismo tiempo, es a veces espejo de lo que está haciendo el otro”.

Entre las sorpresas hay objetos que se hicieron para que no se vieran. Filloy señala un ídolo de piedra, “una deidad de la tierra mexica que puede ser femenino o masculino, o los dos a la vez. En este caso es masculino, pero lo que tenemos es el cuerpo otra vez antropomorfo… Está en una postura que se llama de sapo, la misma que las mujeres usaban para tener hijos, es decir, la misma posición del parto. Es una figura que está viendo hacia arriba, con la boca abierta con una lengua bífida y del centro está emergiendo un cuchillo. Pero esto era una lápida que se colocaba sobre el piso, como una baldosa, que estaría en contacto con la tierra y era visible solamente para la tierra misma, la tierra en contacto con la tierra”.

Abriendo la conversación
El viaje por la exposición abre una ventana a un intercambio artístico sobre los seres imaginarios que esperó siglos para ser escuchado hasta ahora –y las curadoras que abrieron esa ventana siguen participando con gran cariño en ese diálogo entre los creadores de estas piezas; bueno, a través de estos objetos. Cuentan que seleccionaron dos de éstos para introducir la exposición, ambos expresan actos de creación. Perratore comenta que uno hecho de marfil, creado en el siglo XI en Italia, aborda el Génesis, en particular Dios creando los animales en el sexto día. “Cuando lo miras, piensas: veo un león, un buey, una oveja, un conejo, y después llegas a la esquina, abajo a la derecha, y ves un grifo, y arriba algo parte gallo, parte serpiente, el mensaje es que Dios creó todos los seres, aun esos que nunca has visto. Esas criaturas que sólo viven en la imaginación son sorprendentes y también son parte de la creación de Dios”.

El otro objeto seleccionado, agrega Filloy, “es un caracol marino que tiene tallada la cabeza de la serpiente, las plumas, pero distinguimos que está naciendo un personaje. Se ven sus pies, pero también una mano con un cuchillo y otra con una flor… es una deidad creadora. Baja también al inframundo por las semillas y genera las plantas. A mí me gusta mucho que el material sea un caracol marino porque cuando lo levantas escuchas el mar, el viento, a Quetzalcóatl. En este caso –algo que es muy interesante del arte americano–, la materia es parte de la forma, de la imagen y del significado. Es decir que todo se conjunta: materia, forma e idea para dar el significado global de la pieza. En términos del bestiario, el dragón se explica como una serpiente. En ese sentido, éste es un dragón americano”.

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Aretes con corredor alado (400-700), Moche, Costa Norte, Perú. Oro, turquesa, sodalita, concha, 8 centímetros de diámetro. Donación y legado de Alice K. Bache, 1966, 1977 (66.196.40). Foto cortesía del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

La colección europea, al igual que la americana, gira en torno a mensajes e imágenes relacionadas con lo divino y su encuentro con lo terrenal. Tapices medievales, que incluyen el más iconico del museo: el de un unicornio, se incorporan a esta exposición.

“El unicornio es casi siempre un símbolo de Cristo, también el ciervo y el león. A veces el centauro”, aclara Perratore al mostrar un serie de tapices y recordando que “muchos de los híbridos que se encuentran en el arte cristiano medieval vienen de orígenes más antiguos, a veces grecorromanos, mitología del Oriente cercano, de Egipto, pero ya cristianizados en la era medieval”. También hay placas de marfil con dibujos de los autores del Evangelio, con sus símbolos de animal: San Marcos con un león con alas, Lucas con un buey con alas, Juan con un águila y Mateo con un hombre con alas –no es un ángel, sólo un hombre con alas.

“El símbolo de alas está ahí para demostrar la inspiración divina.”

Entre la tierra y el cielo
Estos santos, autores del Evangelio, “se presentan como intermediarios entre los humanos y Dios”. A veces, “como ángeles, están batallando contra dragones –en este caso, símbolos de la maldad, del diablo. Los ángeles se presentan en la Biblia, pero su apariencia nunca se describe realmente, por lo que cuando los primeros artistas cristianos intentaron visualizarlos, dicen que son intermediarios entre el cielo y la tierra: un pájaro, vuelan. Así surge la tradición de los humanos con alas, que se convierten en la forma de un ángel”.

La exposición está repleta de detalles, historias y una constante dialéctica entre la vida y la muerte, lo divino y lo secular, lo real y lo imaginario. Y no necesariamente resuelve misterios. Por ejemplo, lo que parece una serpiente más, es un milpiés con dientes, de donde nace un ser, asegura Filloy al mostrar otra pieza americana.

Y mientras una serpiente representa a Satanás en la Biblia, ese ser que se vincula con la maldad, reitera Perratore sobre piezas medievales, “vemos dragones en tantos otros lugares, no creo que debamos interpretar cosas de manera dogmática en torno a su mensaje moral cristiano”.

Por ejemplo, muestra un gran plato de cerámica de España del siglo XV, realizado con una técnica islámica y usado en algún hogar, “que dice ‘Ave María’, ¿por qué no? Pero en el centro tenemos un dragón, uno de los más divertidos en esta exposición, es juguetón”.

Al examinar estas piezas, Perratore advierte que no se debería descartar que “algunos monjes artísticos tenían un buen sentido del humor”.

La exposición Seres del mito y la imaginación permanecerá abierta hasta el 18 de octubre. Algunas imágenes y explicaciones de la muestra se pueden consultar en https://www.metmuseum.org/es/exhibi tions/creatures-of-myth-and-imaginati on-europe-and-the-americas/exhibition -objects

Con información de: La Jornada

CD/AT